En nuestro próximo seminario de educación artística y comunicación, estaremos compartiendo temas relacionados a la importancia de las prácticas educativas artísticas desde casos concretos, iniciativas independientes y técnicas para comunicar y potenciar los servicios de la educación artística.
Ocho ponencias y dos días de trabajo con profesionales de Ecuador y México nos permitirá fortalecer el trabajo de educadores artísticos y trabajadores del arte interesados en las temáticas del seminario.
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Lunes 23 de Agosto – 18h00 a 20h30
Oscar González Carraro
Pedagogo egresado de la FES Acatlán (UNAM), con una especialización en Historia del Arte. Actualmente concluye sus estudios de licenciatura en Historia del Arte en la ENES Unidad Morelia (UNAM).
Participe de diversas estancias de investigación en proyectos promovidos por la Academia Mexicana de Ciencias, colaborando en el CENIDIAP- INBAL en el año 2014 y la División de Arquitectura, Arte y Diseño de la Universidad de Guanajuato en el año 2015.
En el ámbito musical ha formado parte de agrupaciones como el Coro de la FES Acatlán y Coro Universitario Staccato. Sin dejar de lado su labor como violista del cuarteto de cuerdas Capriccioso, en el cual promovió la presentación de conciertos didácticos en diversos centros culturales y museos del estado y la ciudad de México, hasta el año 2016. En años recientes ha participado en proyectos de rescate y restauración en el convento de Tlayacapan Morelos tras el sismo del 2017; diseño de fichas de obra para la colección artística del Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce ;registro y catalogación de pintura mural en la ciudad de Morelia y elaboración de contenido infográfico en colaboración con la consultoría Jugar es crecer, Fundación Lego y Save the Children.
Tema: La divulgación en la educación artística como herramienta de acercamiento al público
La ponencia que se presenta en esta ocasión busca subrayar el valor que tiene el acto de divulgar los conocimientos y saberes de las artes a distintos públicos, con la intención de generar experiencias de acercamiento que motiven a las personas a conocer las diversas expresiones artísticas de forma autónoma. Para ello, se presenta una distinción entre la noción de difundir y divulgar el conocimiento y posteriormente se expone su aplicación gradual en distintas áreas, centrando la atención en las artes.
Por tanto, la intención de esta presentación es poner sobre la mesa la utilidad que puede brindar la divulgación a la educación artística, convocando a educadores y promotores culturales a repensar los medios y estrategias para compartir y contagiar al público el gusto por el disfrute y goce estético.
Víctor Uriel. Gestor cultural, docente y artista visual.
Víctor Uriel Pérez Pérez , nació el 9 de abril de 1994 en Cuernavaca, Morelos, México. Egresado de la facultad de artes de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos en el año 2016. Comenzó su formación artística formal en el bachillerato; desde su entrada a la Facultad de artes en el año 2012, ha participado en varias exposiciones colectivas dentro y fuera de la universidad, de las que sobresale su participación en la primera Bienal de Los Volcanes en Cuernavaca (2015) así como en la primera Bienal, Cuernavaca, Historia y Presencia (2017). También ha participado en proyectos comunitarios con fines artísticos y culturales, de los cuales destaca su participación en la realización de talleres para la iniciación artística de niños, jóvenes y público en general; gracias a estos logros ha podido desarrollar su carrera profesional como gestor cultural, docente y artista visual.
Tema: Problemáticas actuales para la gestión y la educación artística comunitaria.
El tema central de la ponencia serán las políticas publicas para el desarrollo de la cultura comunitaria, contrastes entre el discurso gubernamental y la autogestión de las comunidades, así como las problemáticas que se desprenden de esta dicotomía, a la par revisaremos los esfuerzos de los organismos internacionales para incidir en la mejora de las políticas culturales en Latinoamérica referente a la agenda 2030 de la ONU. De la misma forma el tema central se liga directamente con la marginación del sector cultural así como de los gestores y actores principales de la cultura en Latinoamérica, los retos a los que se enfrentan los agentes que hacen y proporcionan la cultura así como de las perspectivas para la búsqueda de soluciones que ayuden a propiciar políticas culturales que mejoren dichas políticas desde de la acción ciudadana y comunitaria, así como de la utilización de la nuevas herramientas digitales, pros y contras de la comunidad virtual.Todos estos factores giran entorno al derecho a la cultura y la educación de calidad como derechos universales, sin embargo revisaremos algunos de los enfoques teóricos de autores que hacen un profundo análisis sobre los contextos en los que se desarrolla la identidad cultural.
Rosa Amelia Poveda Núñez
Coreógrafa de Donde se rompe el silencio/ Tanztheater y el Laboratorio Coreográfico. Sus obras se han difundido en México, Alemania, Colombia, Perú, Rusia, Francia y España. Premio Nacional de Coreografía, 1991. Premio de coreografía Einblike, Münster 1995. Premio Lo mejor de coreografía 2008, CCE. Premio del público como intérprete femenina del Tanztheaters Osnabrück Spielzeit 2001-2002. Mención premio “Francisco Tobar García” del consejo metropolitano de la ciudad de Quito 2018 con la obra La ciudad de las mujeres innobles.
Como solista, ha trabajado en Compañía Nacional de Danza en Ecuador, Städtische Bühnen Münster, Städtische Bühnen Osnabrück y Staatstheater Darmstadt con Birgitta Trommler en Alemania; Theater Hermitage Moscú; con Montse Colomé y Jaumet Bernabet de Els Comediants. Becaria Instituto Ludmila Yikova en Bulgaria. Becaria de los laboratorios coreográficos de Susan Rethorts y Àngels Margarit, “Centro de Creació de Dansa y altres Artes Escéniques” de La Caldera en Barcelona. Becaria de la UASB en la Maestría de Ciencias de la Cultura mención Arte. Miembro del Seminario Permanente de Fenomenología de la Danza de la Cátedra Extraordinaria Gloria Contreras de la UNAM.
Maestra de Yoga y tecnóloga en Ayurveda por Yoga Vidya Akademie en Alemania.
La experiencia de la aplicación del análisis de movimiento Laban Bartenieff con las mujeres de la Escuela “Mujeres de Frente”
Por medio de esta charla, se desea compartir la experiencia investigativa que aplicó el análisis del movimiento Laban Bartenieff con las mujeres de la escuela popular “Mujeres de Frente” en Quito. La misma que desembocó en la obra «La ciudad de las mujeres innobles» (2017), obra de Rosa Amelia Poveda y que fue galardonada con la Mención Honorífica “Francisco Tobar García” concedida por el consejo municipal de la ciudad de Quito 2018.
Esta experiencia,no solo reformuló las convenciones de la formación dancística y su importancia en la educación formal, sino, que marcó las reflexiones de reconocimiento del cuerpo propio con la escritura y la danza. Las vivencias de las mujeres envió a contemplar desde otra perspectiva el proceso educativo dancístico como un proceso donde el cuerpo es habitado con el movimiento. Esta experiencia participativa de formación de públicos brindó dimensiones entre la temporalidad y la espacialidad que le dotaron de otros sentidos al círculo dancístico independiente.
Daniela Falconí
Directora de la Red Internacional de Comunicación Artística. Comunicadora cultural y relacionista, especialista en formación y desarrollo.
Tema: ¿Cómo incursionar en la docencia sin ser docente?, estrategias iniciales para profesionales del arte.
Martes 24 de agosto – 18h00 a 20h30
Nathaly Román S. – Investigadora, gestora y artista escénica.
Investigadora, gestora del arte y la cultura, artista escénica, integrante de la agrupación Burbujas Teatro y Ecofeminista, nace con el sol en Cáncer y la luna en Aries.
Tiene experiencia en la organización de encuentros, ferias, conversatorios, festivales y talleres. A colaborado en diferentes colectivos sociales y artísticos con trabajo vinculado a la atención de grupos vulnerables con herramientas artísticas para la inclusión, el desarrollo social y personal como instrumento multidisciplinar en el desarrollo integral.
Ha participado en varios talleres y clases particulares de artes, encuentros enriquecedores para su formación artística. Tiene una Especialización en Gestión de la Cultural y el Patrimonio (UASB) y actualmente realiza su trabajo investigativo de titulación de master en Antropología Social (FLACSO).
El valor íntimo en la práctica artística
Cabe entender el surgimiento de las emociones, a diferencia de lo que se piensa, no es única sino múltiple. La inteligencia con las demás personas es un elemento clave en la adaptación al entorno, está vinculado a las habilidades de reconocer los sentimientos propios y ajenos como guía de pensamiento y acción. Las emociones “primarias” son parte esencial del ser humano, las “secundarias” revela cómo estas interfieren y a la vez pueden ser reguladas desde una inteligencia emocional y social, conociendo las propias emociones y las de los demás.
Las diferentes prácticas artísticas se encuentran relacionadas intrínsecamente con el estímulo y desarrollo creativo, conciencia emocional, regulación, autonomía, habilidades emocionales y habilidades de la vida y bienestar como competencias intrapersonales (dirigidas a la propia persona) e interpersonales (dirigidas a los otros), contemplados de forma holística con la formación artística.
Se provee de actividades correlacionadas propuestas para hacerlas en el aula (de forma grupal) y/o en casa (de forma individual), actividades que desarrolla destrezas y habilidades a través de herramientas artísticas como potencial para brindar una educación o acompañamiento a niños, niñas, adolescentes y jóvenes en su desarrollo, recursos y herramientas artísticas dentro de una enseñanza aprendizaje inclusiva, funcional y libre.
Pablo Tello, Director de MEMORA, investigador y educador artístico.
Profesional dedicado a la docencia, especializado en las artes sonoras, musicales, plásticas, capacitador e investigador.
Es un músico multinstrumentista, sus estudios formales los hace en la Pontificia Universidad Católica del Ecuador, obteniendo el título de Licenciado en Ciencias de la Educación Mención Educación Musical y en el Instituto Superior Universitario de Artes Visuales (IAVQ), obteniendo el título de Tecnólogo en Sonido. En la actualidad es estudiante del Máster Universitario en Formación y Perfeccionamiento del Profesorado, especialidad Dificultades de Aprendizaje en la Universidad de Salamanca, España.
Presenta dos certificaciones en el sistema nacional de cualificaciones y capacitación profesional en Metodología de Aprendizaje Basado en Proyectos (ABP) y en Formación de Formadores, además es capacitador independiente abalado por el Ministerio de Trabajo y la SETEC.
En la actualidad, se mantienen en constante capacitación y ejecutando proyectos en sus ejes de trabajo, siendo Director del proyecto MEMORA, que busca rescatar la memoria sonora.
Tema: Vinculación de la etnoeducación en la educación artística
En la actualidad es de suma importancia mantener vivo el patrimonio inmaterial de un pueblo, ya que cada vez se va perdiendo por distintos factores. Por tal razón, la educación artística sería una herramienta para recuperar el conjunto de saberes, tradiciones y costumbres; para ser plasmado en las distintas manifestaciones artísticas y culturales, con la finalidad de potenciar los procesos de interculturalización.
Los asistentes al seminario, conocerán la importancia de mantener vivo el patrimonio y la memoria a través del arte, además de valorar los distintos saberes de los pueblos y nacionalidades originarias, para dar otro enfoque alejado del etnocentrismo y eurocentrismo que se han desarrollado en ciertos momentos en la educación latinoamericana.
Daniela Guerra – Especialista en planificación y gestión de proyectos y directora proyecto GAIA: Empoderamiento Femenino a través del Baile.
Graduada de la carrera Multilingüe en Negocios y Relaciones Internacionales en la PUCE y con una maestría en Planificación Territorial en la Universidad de Barcelona, me apasiona el tema de derecho a la ciudad e igualdad de género. He participado en varios colectivos y OSC en gestión y diseño de proyectos sociales implementando metodologías participativas. Tengo experiencia como docente, desarrolladora de negocios, project manager e investigadora, experiencias que me han permitido entender la sociedad con una visión multidisciplinaria y participar en varios proyectos de desarrollo social y comunitario. Hace 5 años comencé a bailar ritmos tropicales y durante la pandemia encontré la forma de relacionar mi carrera profesional con mi hobby. Desde entonces, participo como tallerista del taller GAIA: Empoderamiento Femenino a través del Baile: un espacio que busca cuestionar paradigmas y deconstruir estigmas sobre las mujeres a través del baile y el arte. Así mismo, busca explicar el cuerpo como territorio y la capacidad de recuperar el poder sobre sí, como una forma de recuperar poder el sobre los espacios sociales y sus dinámicas.
Tema: El baile y la corporalidad como herramienta de empoderamiento femenino.
El baile, como una expresión de arte y un lenguaje no definido, nos permite corporizar ideas, pensamientos y emociones. Nos mueve a cuestionar paradigmas y deconstruir estigmas sociales. Nos enseña a crear y a imaginar desde nuestra propia experiencia. Nos devuelve el poder sobre nuestros cuerpos. Durante la charla se pretende resaltar la importancia de la corporalidad (conciencia del cuerpo) dentro del proceso de empoderamiento femenino y la lucha de igualdad de género, aterrizándolos sobre un enfoque práctico: el baile. Se explica que el empoderamiento es un proceso personal y propio, no hay una persona que pueda empoderar de a otra, pero hay disciplinas que sí nos encaminan a generar conciencia de quienes somos, donde estamos y a donde vamos. El baile nos enseña a escuchar, a expresar, a respetar al otro, a respetar el cuerpo, a movernos con cuidado, a confiar en el cuerpo propio y la experiencia personal y, sobre todo, a entender el valor y la necesidad del otro en mí proceso de empoderamiento. El baile y la corporalidad son el punto en el cual convergen diferentes teorías como: el feminismo constructivista, la modernidad liquida, la alteridad, arquetipos de Carl Jung, nociones de género de Joan Scott, entre otros.
Daniela Falconí
Directora de la Red Internacional de Comunicación Artística. Comunicadora cultural y relacionista, especialista en formación y desarrollo.